CJ Studio Shi-Chieh Lu 陸希傑設計事業有限公司

CJ Studio Shi-Chieh Lu 陸希傑設計事業有限公司 CJ STUDIO ｜ SHI-CHIEH LU ｜

Shi-Chieh Lu is born in 1965,Taipei,Taiwan.Graduated from Tung-Hai University,Taiwan in Bachelor of Architecture.

Received his Diploma in Architecture from Architectural Association,London in 1993,and worked for Raoul Bunschoten in 1994.In 1996,he established CJ Studio in Taiwan.Then established his own furniture Brand "Shichieh Lu" in 2003.

｜CJ STUDIO｜

CJ Studio regards architecture and design as social events not simply as a creation of art. In other words, it is an entrance to the world as well as an end

less discovery. For this long-term discovery, every design project (whether big or small) is a precious experience, and every project is also new venture itself. Proprietors and users have to join this adventure to seek and create a new processing system, which is a simple form that is full of energy and potential. Through analyzing, integrating and rediscovering in every condition (environment, function, proprietor, foundation, historical background etc.), the order and geometrical relationship that lies beneath the real world can be found and the past can be connected with the future.

VISION 02大師的簡單哲學：阿爾瓦羅．西薩葡萄牙建築大師阿爾瓦羅． 西薩（Álvaro Siza），是我最欣賞的建築師。他的設計哲學很簡單，而那簡單中又帶著不凡。我第一次接觸西薩的作品，是大學時從《a+u》雜誌裡讀到的。西薩作品的表現...
12/08/2026

VISION 02
大師的簡單哲學：阿爾瓦羅．西薩

葡萄牙建築大師阿爾瓦羅． 西薩（Álvaro Siza），是我最欣賞的建築師。他的設計哲學很簡單，而那簡單中又帶著不凡。我第一次接觸西薩的作品，是大學時從《a+u》雜誌裡讀到的。西薩作品的表現性並不是太強，卻能形成一種引人入勝的感染力，所以當時的我雖還沒辦法完全掌握箇中佳處，但西薩的名字及作品已經在我心目中留下深刻印象，成為我日後持續關注西薩作品的契機。

從最早在Quinta de Conceição的游泳池作品開始，西薩就以幾何的形式隱入當地的天然地貌，使人工的建築設計與環境融為一體，彷彿那游泳池原本就存在那裡似的。這是因為西薩極其細膩地了解基地的周邊條件，因而使最後完成的建築與環境形成相當密切的關係，而絲毫不像是添加上去的元素。

西薩筆下的幾何規線，常取材於基地的條件，不論是鄰近街道或建築，各種外部環境的弧度或直角，作品內部都有線條與之呼應。這使他所創造的空間具有雕塑感，而那種雕塑感不是靜止的，須透過在空間裡行走才能感受得到；每條線的設計都不是意外，都有著成立構圖的意義，訴說著建築的歷史與故事。

【最困難的「簡單」】
西薩也是相對少數純粹以建築來談論空間的建築師，這對我而言是相當重要的特點。許多建築師會藉由文學、藝術或電影等外部靈感，來刺激或深化抽象的概念；西薩則屬於內省式的建築師，他不以外在的附加意涵來賦予建築意義，而是返回自身思考──從西薩的作品當中，不僅能看出他師承葡萄牙建築的脈絡，同時也蘊含建築史的反省意義，以及對現代建築的透徹觀察。西薩關注建築本身的問題，將經常被忽視的細節以巧妙的方式解決，例如Municipal Library Viana do Castelo，將空調、燈光的來源都隱藏在結構裡，運用間接的引光方式所創造出的藝術性，讓人有進入另一個世界的感覺。

西薩的建築有很豐富的表情，很多是來自於遮陽或開窗的線條，他創造出類似擬人化的感覺，例如Porto School of Architecture，看起來像是一張張望向河邊的臉──像這樣在作品裡隱含著哲學性和實質的功能性，是西薩建築的特色。又如他曾設計過一座方形的鏡子，只切了其中一角倒著，再用鐵絲溝邊撐住，這座鏡子也很能代表他的設計哲學：相較起一般室內設計是「加上去」的裝飾性，他完美地運作「減法」，讓簡單變得很不簡單。其所呈現的是一種氣質，不利用多餘的元素，卻能處理建築設計兼顧力學與美學的難處，展現了極致的平衡感。

【建築所表現的思考方法】
西薩有著很精練的建築語言，如同詩一般，簡單、精緻、濃縮，乍看沒有前衛建築那種令人驚豔的爆破感，細節卻更能令人玩味。我的設計受到他很多啟發，在設計國聯飯店時，我也參照當初環境本身的條件，在一樓大量的環繞空間裡，只運用摺板、不加以贅飾，利用行進時的視覺動線來引發環境的變化感。雖說是向西薩學習，但其實他的設計技巧並不是具體的符號，而是一種想事情的方法，是難以摹仿與複製的；尤其面對各個基地的條件不同，隨之因應的設計也會有所改變，若只從表面跟著大師依樣畫葫蘆，並沒有意義。

我想，應該這麼說：建築是一種內化哲學的表現，像西薩這樣震撼人心的大師作品，絕不只是以表面的技巧引人入勝，而是從更深層的精神向度，帶給後人無限的啟發。

節錄自:
《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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PROJECT 21兜空間DOU Maison竇騰璜張李玉菁DOUCHANGLEE 品牌之家兜空間DOU Maison的基地是一座位於臺南市中正路上的雙棟連體老建築，建築本體是日治時代昭和七年（西元1932 年）由日籍建築師梅澤捨次郎所設計...
10/08/2026

PROJECT 21
兜空間DOU Maison
竇騰璜張李玉菁DOUCHANGLEE 品牌之家

兜空間DOU Maison的基地是一座位於臺南市中正路上的雙棟連體老建築，建築本體是日治時代昭和七年（西元1932 年）由日籍建築師梅澤捨次郎所設計，一旁即是著名的古蹟林百貨，並且同屬於末廣町商店住宅群，為臺灣首批現代化鋼筋混凝土建築，同時也是臺南市第一條經過整體規劃的市街，在臺灣建築史上頗具意義。能夠為這座老建築執行改造設計，對我而言也是意義重大且難得的機會。

【時尚品牌x古老建築x在地文化】
這座建築物從用途規劃到裝修完工，歷時長達五年，並在「竇騰璜張李玉菁DOUCHANGLEE」品牌成立二十週年時正式啟用；整座建築的改造方向，主要也是朝著空間用途規劃與品牌進駐老建築的意義進行。竇先生2009 年接手此建築時，一開始便是計畫打造為複合式的生活美學空間，於是我們以建築本身的連棟形式為基礎，一棟規畫為竇騰璜張李玉菁品牌服飾的展售店面，另一棟為簡食咖啡廳，兩棟共有的頂樓加建則設定為文化展演空間。

竇先生將空間命名為「兜空間DOU Maison」，也很有意思。「兜」字一方面與「竇」字音近，一方面也有「兜在一塊兒」的意義，頗能表達出複合式生活美學空間的經營型態，與古蹟結合時尚的文化意涵。而「兜」的發音又近似於臺語的「家」（ㄉㄠ），所以店名的英文取作「DOU Maison」，也意味著品牌與本土在地文化落地生根的關係。

【在古蹟裡蓋一座鐵皮屋】
從建築的角度來看「在地化」，我們一方面想要保留這座古蹟本身的歷史氣息，與臺南古都的文化形象相呼應，另一方面也希望表現出「台味」濃厚的建築趣味。於是我們乾脆延續京站店的鐵皮圍籬概念，將連棟老建築其中一棟的空間內部以沖孔浪板為主要材質搭出一座三層樓的鐵皮屋，作為服飾的展售空間，藉由「屋中屋」的建築概念，來呼應「店中店」的經營形式。建築內部局部樓板刻意採取挑空設計，讓在鄰棟用餐的消費者也能看見隔壁的鐵皮屋，並且意識到鐵皮屋與原始建築之間是一種鬆動的、被置入的微妙關係。兩棟建築的連通處則以一座黑色木質大樓梯蜿蜒串聯，以幾何雕塑造形重新為老建築注入現代感，再以臺灣常見的鐵皮斜屋頂來打造頂樓加建，從整體外觀看來就像是從古蹟的內部「長出」一座鐵皮屋。

而空間內部也大量保留老建築本身的原始牆面，讓臺灣工業化過程中所衍生的鐵皮屋文化，與日治時期老建築的歷史古蹟意義碰撞對話，同時也是竇騰璜張李玉菁品牌空間「解構．極簡．工業感」的創意延續。

節錄自:
《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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PROJECT 30Metal House竇騰璜張李玉菁臺中旗艦店自2007年開始規劃設計的臺中旗艦店「Metal House」，是我與服飾品牌竇騰璜張李玉菁的第七件合作案；而我們的合作則從2003年開始，至此也正式邁入第五年。一路以來，由...
09/08/2026

PROJECT 30
Metal House
竇騰璜張李玉菁臺中旗艦店

自2007年開始規劃設計的臺中旗艦店「Metal House」，是我與服飾品牌竇騰璜張李玉菁的第七件合作案；而我們的合作則從2003年開始，至此也正式邁入第五年。一路以來，由於我自己對於空間設計的想法與竇騰璜張李玉菁的品牌作風都傾向自我突破，都喜歡追求較為大膽前衛的創意。所以在過去的合作案裡，我們花最多時間與心力在於每個案子的核心概念創意發想與溝通，希望讓每一次的設計都能玩出最獨特的idea。

而作為服飾市場的競爭品牌，在空間設計上也不能完全脫離現實的商業考量。臺中旗艦店的設立，對於竇騰璜張李玉菁服飾品牌本身的經營發展而言，是市場拓展的嶄新階段。因此在這次的設計中，除了延續一貫的創意思考之外，業主竇騰璜先生也期待臺中旗艦店能夠出現具有系統化特色的設計，以作為後續陸續設點的概念參考。

【當鐵皮屋遇上精品店】
位處臺中當時最新開發的精華地區中港路一段，此間旗艦店所在的基地位置頗為特殊：左側是富麗堂皇的LV臺中旗艦店，右側卻是一整排老舊雜亂、甚至還有鐵皮搭建頂樓加蓋的商業街屋，兩側建築物呈現截然不同的風景；而竇騰璜張李玉菁臺中旗艦店，正好就夾立在這「新／舊」、「奢華／平凡」的界線上。

基地所處的這種「中間狀態」，我覺得很有意思，而且也是我心目中「臺中」這座都市在地特色的具體縮影。因此，如何能將這種「中間狀態」透過建築形式與室內設計保留下來，是本次設計所努力的目標。同時，我從這一角度重新詮釋業主竇先生在設計wum時所提出的「極簡．解構．工業感」，心得也與過去有些不同：以往多半是找出一項具有工業感的材質或構想，置入設計中使之成為整體創意核心；這次的「Metal House」則是因地制宜的設計，從周遭的老舊商業街屋發想「鐵皮屋」的概念，賦予「精品店」的質感，從本質上來說是更接近工業感設計「就地取材、點鐵成金」的用意。

【靈感的延續與新生】
臺中旗艦店Metal House最主要的概念素材，是一般稱為灌樓板的deck板，用以包覆整體建築外觀。而不論是就deck板材質本身或建築表層的波浪造型來看，都可以說是不折不扣的「鐵皮屋」。其實，剛開始設計建築外觀時，我也曾經提出幾種比較精緻、華麗取向的方案，但當時竇先生半開玩笑地說了一句讓我印象深刻的話：「在LV 旁不管做什麼都有一種搔首弄姿的感覺⋯⋯」所以我們乾脆採取逆向操作，利用鐵皮屋的工業感，刻意讓建築外觀呈現一種笨笨的感覺，藉此定義與鄰棟建築對話的姿態。

而因應著竇先生對於店面系統化設計的期待，臺中旗艦店在內裝設計上盡可能追求簡約，以思考未來系統化與量化的可能。空間內部主要以細紋鋁浪板作出不規則曲面包覆，呼應著「鐵皮屋」的主軸概念；而在展示機能的設計上，我同樣是從工廠常見元素中尋找靈感，選擇以重型滑軌搭配局部鏤空天花板，來營造垂掛商品的展示機能。

與竇騰璜張李玉菁合作的案子很有趣，每一次都會有一些新的想法加入設計，同時也會有一些靈感與創意沉澱下來，成為下一次設計案的養分。如本案大量使用的deck板，其實在大安店Mesh後端的花園區域已經出現過；而重型滑軌的展示掛架，則沿用成為高雄店Bias 的內裝設置。如此種種，或許都可以說是靈感的延續與新生吧！

節錄自:
《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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PROJECT 31Bias竇騰璜張李玉菁高雄概念店此案是我與竇騰璜張李玉菁（STEPHANE DOU - CHANGLEE YUGIN）品牌的第8次合作，在我們目前合作過的11件案例裡屬於較後期的作品，但卻是該品牌在高雄市的第一家服飾概念...
07/08/2026

PROJECT 31
Bias
竇騰璜張李玉菁高雄概念店

此案是我與竇騰璜張李玉菁（STEPHANE DOU - CHANGLEE YUGIN）品牌的第8次合作，在我們目前合作過的11件案例裡屬於較後期的作品，但卻是該品牌在高雄市的第一家服飾概念店。因此，如何藉由空間讓品牌在新的地區建立形象，以及該如何掌握此案與其他地區店面之間的關聯性，都是我們考慮的方向。基地屬於狹長的三層樓舊屋，與業主竇騰璜先生討論過後，希望以藝廊的感覺來呈現此次的概念店，並且在一定程度上順應保留基地本身老房子的特性。

【記憶的梗結】
高雄概念店的主題命名為「Bias」，意在呼應建築外觀使用企口鋁板組合成如斜紋布的織品意象。在手法上，我依照量體結構劃出切角面與斜紋線條，以鋁材打造出帶有銀白光澤的灰色建築量體，加上不同比例的開窗大小方式，企圖讓建物外觀表現出前衛與時尚的質感。

Bias概念店的設計發想其實是蠻自然的過程。很多靈感從過去的設計裡重新跳出來，像葡萄發酵成酒，在Bias概念店醞釀出新的面貌──那種自然產生靈感的感覺，有點近似樹木年輪成形的過程，並非用力地想要突破或表現些什麼，但是創意卻在時光的點滴積累之下，逐漸羽化破繭。例如最能代表Bias主題精神的斜紋布元素運用，來自於我跟竇先生第一次合作的臺北概念店wum天花板質感的轉化；而作為本案牆面主要材質的鑽泥板，原是一種用於大型演奏廳的吸音壁板材質，在wum概念店中亦已運用過，那時確實也是因展場吸音考量而採用，後來發覺板材本身的纖維質地可以顯出粗獷的工業感特質，而刻意使之露出；但在本案當中，卻是希望讓纖維的紋理呈現自然質樸的清新調性將其噴白而採用。另外，空間內部運用重型吊掛活動滑軌作為商品展示架，則是臺中店Metal House設計手法的延續。

此類設計概念的再生利用，倒不是刻意為了讓某些特定元素成為品牌空間的固定班底；但面對一個新的基地時，我並不排斥從過去的合作案裡拈出靈感。一方面不妨就讓設計自然成為一種記憶的梗結，召喚潛藏在觀者意識之中的既視感；另一方面也能從同樣的手法之中看出設計者是否有所進步與突破──是故步自封、死守老把戲？或者是能脫胎換骨、活化新創意？其中自然是天壤之別。

【意念的延伸】
第一次合作wum時，竇先生提出「極簡．解構．工業感」的想法，不但影響了wum的設計方向，也成為後續幾次的合作案中的主題旋律。而此次的Bias概念店，則以較為不同的姿態來回應這一思考主題。

相較於前幾次的設計，Bias概念店的內裝顯得更加簡單：一方面改變了過去以固定構架打造商品展示量體的做法，這次我們採用可以活動的木質展示模組，展現空間的可變動性，也賦予解構的趣味。另一方面，Bias概念店也減弱了以往設計中較為tough的金屬感，改以質感較為素樸自然的水泥、夾板等材料來表現空間，從材質的原始特質去呼應「工業感」的概念。此外，為了能讓「老房子」的生命繼續存留於新空間之中，我們讓一樓天花板延續室外鋁板材料，同時保留建物入口左側的原始磚牆，與右側平滑的白色牆面形成「新／舊」的視覺對比；並且將原有的樓梯依照比例和角度分配重新賦予新的覆面量體，線條轉折而延伸至展示檯面，把原始的限制轉變為使用條件，而不是製造過多的繁複造型。

過去我們思考「極簡．解構．工業感」的邏輯較像是加法，考慮要「使用」或「加入」什麼樣的元素去表現主題；而這次則比較近似減法的態度，反覆思考著如何剝落外層而顯露本質，希望找到空間最純粹的狀態。而且，不論是老房子的生命延續，或者是舊手法的轉化新生，在這次的設計裡都是十分輕鬆自然的發展。此種減法的思維，其實也更靠近極簡的本色。在同一品牌主題的思考上能延展出這樣的脈絡，對我而言也是蠻愉快的事。

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《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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自序建築與設計，對我而言並不是單純的藝術創造，而是一個社會事件，一個看世界的入口，一個無止盡的探險──而本書大概可以說是我自回國後執業至今近二十年的「探險」旅程日誌吧。【ISSUE- 過程的展開與分類（unfolding and taxon...
05/08/2026

自序

建築與設計，對我而言並不是單純的藝術創造，而是一個社會事件，一個看世界的入口，一個無止盡的探險──而本書大概可以說是我自回國後執業至今近二十年的「探險」旅程日誌吧。

【ISSUE- 過程的展開與分類（unfolding and taxonomy）】
在本書中，我將設計過程的剖面結構，擬為一組四階段的時間軸模型：
I. 設計開始之前
II. 從思考到現場
III. 面對現實
IV. 作品作為研究

此時間軸模型雖以空間設計從開始到成形的歷時性過程為基礎，但同時也具有共時性的分類意義。藉著回顧與分析自身學習歷程與設計經驗，我從中抽繹出15種思考設計時可能的切入視角，以議題的方式提出我的看法，並分別納入上述四大分類，讓設計的過程如同一座由各種思考向度網絡成形的座標系統。

這15項議題所涉及的許多觀念，包括「摺疊／展開」、「灌鑄」、「修補術」、「分類學」等等，其實都牽涉更為龐大的理論層面；然而為了全書呈現的一致性，本書不擬在理論上著墨過深，而是希望能作為一塊叩門磚，敲開理論的冰山，邀請讀者一同進入設計思考的世界。讀者朋友若有興趣，可另行參看我的另外兩本著作：《鍛造視差》（2003．荷光文化）與《形錄Registration Form》（即將出版）*註: 本書已於2015年由田園城市出版。

【PROJECT- 海平面之下的潛流脈絡】
而本書所選錄的36 組設計案，則是以事件的形式，從概念發展與時間歷程切入，觀察設計成形過程的剖面脈絡。

所謂「事件」的意思，或許可以借用年鑑學派以海洋斷面比擬歷史結構的譬喻：我們平常習慣從已成形的空間表象來解釋空間設計，就像是海平面上清晰可見的起伏的波浪表層；不過，潛伏於海平面之下的洋流動向與地殼岩層，同樣也是構成海洋不可或缺的元素，正如設計發展過程中層出不窮的種種變因，包括環境、機能、業主、基地，甚至是鄰居、氣候與法規⋯⋯等等。這些變因在不同的尺度下產生各種視差（parallax），不但聚合為個別設計事件的成形，更積累形成了作為設計者的我，在這趟長期旅程中的座標註記（registration）。

透過此番整理，許多隱性的虛線連結變得清晰：例如某案未派上用場的概念，後來在另一案得以實現；某案與某案之間的相似性，可能始自業主這條脈絡；某些始料未及的意外因素，竟決定了某案的設計走向；我長久以來思索的幾項概念，又是如何現形於設計中⋯⋯。諸此種種，隱藏在空間設計的海平面之下，事件自身、事件與事件、以及事件與設計者之間所形成的涵構關係，各自落點在此書所呈現的座標系統上，是為一種暫時的註記──因為事實上，事件的落點位置是隨著詮釋系統的不同而漂移（drifting）的。

【VISION- 設計是一個看世界的入口】
除了建築與空間的思考議題與設計事件之外，本書也將以較為輕鬆的漫談，與讀者朋友分享我對於極簡主義、解構思維等美學或建築史論題的觀點，以及我親身走訪建築大師作品時所體驗的感動。

如同本文一開始所言，建築與設計於我是一個社會事件，一個看世界的入口，一個無止盡的探險。在我自己所執行的設計案裡，我從不同的品牌、業主與現場之中，看見現實大千世界的五彩繽紛與錯綜複雜，其中有激勵、有學習，當然也有迷惘與挫折。而在徬徨的時刻，遊訪大師的作品又成為另一個看世界的入口──親身感受經典的偉大，眼界便得以開闊，反身回顧，彷彿也就看得清楚自己的位置，以及前行的方向。

最後，本書雖名為《空間設計要思考的是： 》，但我其實並不希望它是一本指點迷津的工具指南書。冒號之後留下的空白，是我對自己的提問與警醒，未來我也將繼續追問下去；同時衷心期盼透過本書的經驗分享，各位讀者朋友能夠找尋到屬於自己的解答。

節錄自:
《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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Vision 04迴游的流動感：安藤忠雄我從學生時代就對日本建築家安藤忠雄的建築平面圖感到很好奇。不像常見的西方建築畫法，安藤的建築圖面線條沒有輕重之別，連柱子、牆面都是單線，抽象簡潔；當時也對他那種水泥塑造出的封閉性與重量感不解，但直接到...
03/08/2026

Vision 04
迴游的流動感：安藤忠雄

我從學生時代就對日本建築家安藤忠雄的建築平面圖感到很好奇。不像常見的西方建築畫法，安藤的建築圖面線條沒有輕重之別，連柱子、牆面都是單線，抽象簡潔；當時也對他那種水泥塑造出的封閉性與重量感不解，但直接到現場參觀之後，終於感受到他實際上表現的空間流動感和美學力道。

【以現代語彙還原古老城市】
在前往路島夢舞台之前，印象中認為那是一座誇張的水泥森林；實際到訪後，發現它的精彩有如義大利山城，好像把歐洲古老城市裡的空間精華以水泥轉化，使當代素材表達出古城印象。安藤並未刻意去摹仿城市，而純粹使用幾何組合來創作建築，線條在其間又被拉扯、交錯、重疊，展生新的語彙。安藤建立環境與建築的對話，同時又闡述日式枯山水的意境，他萃取自然，以設計再現其純粹之美，那是一種內斂似「靜」，實際卻讓人神遊其中的「動」──不管是從空間序列、或是空間層次觀察，我在淡路島都很明顯感受到來自歐式古城的再呈現，像是圓形劇場、羅馬競技場，都被濃縮成抽象的模型，在這件作品中能感受到先人的靈魂被轉移到現場，紀念性很強，有點post modern 的味道，可是終究過於直接。
直島美術館從早期的Benesse House，到2000年的地中美術館，可以看出安藤的做法更為精練，詩意更強。地中美術館以幾何形體位於地底迷宮，創造出一種迴游的流動感，入口很隱晦，但又彷彿從各處都能進入，空間川流著開放性，安藤將環境、人、藝術品彼此連結，不管是建築對應展覽品的線條，或是光線的處理，都經過縝密的整合。他很刻意地利用混凝土來說故事，與同樣用建築來討論建築的阿爾瓦羅．西薩（Álvaro Siza）相比，西薩在圖面上就已然傳達了以抽象的雕刻美學演繹光線的企圖，安藤則是更強調空間裡的故事性，及其所創造出的空間序列，身在現場才能感受出圖面看不到的意境，安藤透過幾何元素，綿密地連接了環境與人的關係，使人品味出建築的層次感，也體會建築的力量。

【不只是量體設計的空間企劃】
狹山池博物館從前是一座人造蓄水池，到現場參觀，更能了解安藤處理環境與建築的緊密連結。他加入水景規劃，使新造的水與舊時蓄水池有了連結，池邊連綿著櫻花樹，成了美術館的一部分，當人開始行走，動線從池邊隨之延伸到了館內展覽區，在兩側瀑布造景的包覆下入內，眼前赫然出現的則是蓄水池的斷面。這裡讓人感受到空間的張力，安藤利用自然與人工的建築元素互相編織，將人的尺度縮放，使得人在空間裡變得渺小；簡單說，他是設計了空間序列，而非只是量體上的設計；安藤是很紮實的空間story teller，以實虛、牆的厚薄、比例、材質等建築手法，跳躍了極簡主義，作品看起來簡單卻很豐富，人在空間中得以迴游、旋繞，使空間充滿動感。
建築作為一個容器，常是安靜無聲的。但是安藤忠雄的建築容器，除了裝水之外，還說了很多話──當然，不見得所有建築師都同意這種做法，例如一座美術館，建築的聲音若蓋過了展示內容，反而是喧賓奪主。不過，安藤堅實的精神讓我獲益良多，他是個很會說故事的建築家，他重視的不只是空間的設計而已，而是強調program 的整體企劃；就像清水模並不是安藤一人專用的做法，但他就是能將這種水泥素材的運用推到極致，讓清水模成為他個人獨特的語彙；後來的建築設計一但使用清水模，不論是有意或無意，都會讓大眾聯想到安藤忠雄的作品──要解開清水模的「專利」，恐怕是安藤忠雄留給下一代建築師與設計師的一項難題吧。

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《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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VISION 01建築的旅行：兼談柯比意基金會與Santa Maria 教堂旅行就是一種充電，在旅行中體驗到建築的空間與時間之美，與欣賞書本上的圖片感受全然不同，因為建築是時代留給世界的遺產。身為建築師，走出去看看很重要。建築大師柯比意（L...
02/08/2026

VISION 01
建築的旅行：兼談柯比意基金會與Santa Maria 教堂

旅行就是一種充電，在旅行中體驗到建築的空間與時間之美，與欣賞書本上的圖片感受全然不同，因為建築是時代留給世界的遺產。身為建築師，走出去看看很重要。建築大師柯比意（Le Corbusier）和安藤忠雄從學生時代開始就都很愛旅行，走訪世界各地，吸收養分並獲取靈感。諾曼．福斯特（Norman Forster）也曾說，他每年都會造訪柯比意的廊香教堂，感受偉大作品所帶來的震撼──對於已躋身建築大師之列的福斯特來說，親臨經典建築現場最重要的意義在於：重拾最初的感動。

在建築中感受歷史
在英國讀書時期，我和同學經常會到歐洲各國旅行──到莫斯科看構成主義建築，也住進柯比意的馬賽公寓之中；我的畢業設計也是從旅行之中得到靈感，在馬賽的市場收攤之前的片刻，我發現自己闖進另一個生活之中、一個不同的世界，而那正是地平線的落差，切割出慾望與階級。2012 年，我帶著家人進行了一段長程旅行，從倫敦、巴黎到巴賽爾，也重新參訪了柯比意基金會。事隔十幾年，再一次好好花時間在柯比意所創造的空間裡慢慢等著，雖然只是漫步於小小的住家，仍能從挑空、穿廊的設計感受變化；而在這樣有限的空間裡所體會的無限之美，也使人更能意領柯比意擅長的內外融合藝術。這次的重訪，帶給我的震撼是十分深刻的：真正的大師作品，即使經過90 年，仍是歷久彌新。另一個旅行的樂趣在於：探訪大師的早期作品，可以看到大師的「蛻變」──從摸索到成熟，最終自成一家的過程。例如阿爾瓦羅．西薩（Álvaro Siza）20 幾歲時在海邊所設計的游泳池，巧妙運用幾何與自然線條，完全地融入周邊環境；而在泳池附近的餐廳，看起來平凡，在細部卻透露著大師手法，略帶著柯比意的影子，非常有意思。

神的所在：廊香教堂╳ Santa Maria 教堂
旅途中讓我最有感受的，是西薩設計的Santa Maria 教堂。他把天地人神的關係整合在這一座教堂裡，將抽象的「天堂／地獄」、「生命／死亡」概念，以空間做出區隔，上層是舉行禮拜與婚禮的空間，下層則是喪禮，利用水平帶分割出生與死的對比性，大量的留白以及比例精準運用，這座教堂可以讓人真的感受到神的存在，也體會到人類的渺小。那種等級與層次的差異，使我忍不住去思考人類在宇宙之間的位置，是沈默卻很有力量的空間。雖然我並未深入研究其中的宗教意義，不過在建築意義上，Santa Maria 教堂的確給了我很多啟發。與經典的廊香教堂相比，Santa Maria 教堂像是它翻轉過來的版本：廊香教堂外側看起來有機，內部卻很幾何；西薩的Santa Maria 教堂，從外面看起來是方整幾何，內部卻呈現著不規則。廊香教堂的雕刻感，暗示許多人類的原始信仰根源，光塔創造彷彿在洞穴裡的經驗，感受來自天上的光；而Santa Maria 教堂的兩層樓體驗，拉出了天與地的距離感，將歡樂與悲傷斷開，對比著世俗與天堂，以內蘊的方式融合極簡與觀念藝術。我認為Santa Maria 教堂堪稱唯一可與廊香教堂媲美的偉大建築作品，使用白牆、石材、木頭等幾乎相近的材質，卻寫出了另外一首詩──既有著傳承呼應，更走出自己獨樹一幟的路。

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《空間設計要思考的是:》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

圖片攝影陸希傑

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VISION 08 東方語彙構造西方建築:王澍我最早是從寧波歷史博物館開始認識到王澍的。一開始還誤以為是赫爾佐格& 德梅隆（Herzog & de Meuron）的作品，想不到是出自中國建築師之手；然而這建築不管從造型、開孔方式或思維邏輯都...
31/07/2026

VISION 08 東方語彙構造西方建築:王澍

我最早是從寧波歷史博物館開始認識到王澍的。一開始還誤以為是赫爾佐格& 德梅隆（Herzog & de Meuron）的作品，想不到是出自中國建築師之手；然而這建築不管從造型、開孔方式或思維邏輯都充滿赫爾佐格的影子，如此高的相似度仍是讓人費解。後來王澍來臺灣與阮慶岳合作，利用木構架創作屋頂違章建築，我又重新回頭看了他在威尼斯雙年展的兩次作品──「瓦園」和「衰朽的穹隆」，才明白王澍的建築手法其實很有他的個人特色。

王澍擅長用瓦片、木材、磚等從各地回收來的舊素材。例如「瓦園」，他利用6 萬片由舊城拆遷回收的黑瓦片滿鋪在地上，一瓦一瓦砌出文化的鄉愁，步行其上有如踏在傳統中國式建築的屋頂，很有意思。第二次威尼斯雙年展的作品「衰朽的穹隆」，王澍則跳脫以文化來討論建築的脈絡，改以建築來討論建築，純粹關注於「建築術」，只用一個木頭或鐵件就能做出架構，像一堆筷子即使摔放在地，彼此間仍然產生了支撐的關係，王澍突破一般垂直水平的觀念，更像是地景藝術的一種人文作品，他用簡單的元素，天然卻又幾何，以此來構造建築，因而帶出儉樸的力量。

【帶入中國傳統園林符號】
我曾造訪王澍的成名作「中國美術學院象山分校」，他用曲面屋頂、簷下、梯道、院落等意象，將中國潑墨山水畫的元素具體呈現，非常精彩。在我看來，王澍獲得「普立茲克獎」是當之無愧──雖然中國建築界有許多反對的聲音，認為普立茲克獎是服務西方主流建築概念的產物，完全不是東方的建築思維；但我認為，在當今西方建築美學強勢的主導趨勢下，王澍是有意識地在運用西方建築，他是經過瞭解以後再加以轉化，因而空間感是非常成熟的，展現迷宮性格，讓建築開放，形成有多種行走的可能性。

西方建築的概念有花園、城市，卻沒有園林的概念，而王澍的作品都帶著顯性的中國傳統園林符號，他轉化了中國山水、盆栽、造景等形式，例如不規則形狀的挖孔，就像是筆墨畫出來的鏤空石頭，有如自然成形的線條。王澍獲得普立茲克獎後的第一件作品「水岸山居」是很有特色的作品，他用交叉的木行架做出一整片屋頂，對應著平行的夯土牆面──夯土和清水模相比，有著不同的濕度、觸感、溫度和色澤，因此塑造出截然不同的感官效果和情境，水岸山居的木構造屋頂尺度誇張，與夯土牆交叉出強烈的戲劇性空間感。

【以極簡藝術譯述文化語言】
在80 年代，後現代主義正流行，當時的建築師們如李祖原，或是學校裡的設計風氣，都有斜屋頂這樣的東方元素──每個人作品多少都帶著東方主義的情結。但這也讓人反思：為了讓西方了解東方，就必須用西方人才能了解的東方元素來創作嗎？是否非得要在西方的框架前提背景下，才有辦法來談東方建築？或者，一定要讓西方人了解的作品，才能算是東方的建築嗎？這就是一種兩難。

王澍運用舊瓦片、回收物，創造出有趣的空間與情境作用，這對西方人而言也是一種新鮮的驚豔感。他結合東西方都能理解的元素，以極簡藝術加以轉化，以東方語言去述說西方文化。即使許
多中國建築師反對這種作法，但其實這也可以視為一種文化上反動；我很喜歡王澍用「業餘」的名稱當作他工作室的名稱，有點局外人的意味；但也因為這種位置，王澍兩手掌握東方與西方，
將雙邊的文化融合得相當巧妙。

節錄自:
《空間設計要思考的是:》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

王澍作品。攝影/陸希傑

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ISSUE. 5造形形式的分解與重組造形，是一種與世界建立關係的方法。馬諦斯如是說：「大部分的小孩畫畫，總是先畫一個圖形，然後再塗上顏色，以使形與色之間能建立起關係；同時又固定圖形，保留圖形，表現出圖形，並使圖形能與畫面結合。」小孩子畫畫，...
30/07/2026

ISSUE. 5
造形
形式的分解與重組

造形，是一種與世界建立關係的方法。馬諦斯如是說：「大部分的小孩畫畫，總是先畫一個圖形，然後再塗上顏色，以使形與色之間能建立起關係；同時又固定圖形，保留圖形，表現出圖形，並使圖形能與畫面結合。」

小孩子畫畫，是最素樸的一種造形方法。而從馬諦斯這段話，我們可以知道「畫一個圖形」的目的，在於使圖形「固定」、「保留」、「表現」以及「與畫面結合」──「固定」，意味著造形並不是無中生有，而是自變動不居的萬有之中「取」出某件由感官所捕捉到的形體，內在感官與外在世界因而建立起某種關係；「保留」，則說明了感官的記憶極易消逝，這段關係必須依賴某種手段予以存續；「表現」則是存續記憶的手段，同時也是主體辨識與紀錄能力的展現；而「與畫面結合」代表著造形完成並形成文本，感官主體與外在世界的互動關係至此獲得某種確定的證據。

【設計＝形式的分解與重組】
符號（sign）可以是一種形式，設計（de-sign）也就是「分解符號」。而分解符號的過程便是操作形式；定義、了解、分析這些形式，最後再加以重組──在原理上，與前述的畫畫造形是一樣的。造形的設計就像語言一樣，可以有各種不同組合；而市場上所謂的「流行設計」，大抵便是某種新組合恰好能適應當前的時空所產生的效應。

時間是項變數，造形的觀念也一直在變動。幾百年前的流行到了現代可能成為古典；10 年前的造形或口號在今日也許就過時了。當然，過時者也有翻身的機會，只不過每次潮流回來時，它都會以不同面貌來回應時代特質。若以建築的造形來看，從古典主義、新藝術運動的繁複，演變到現代主義的簡約；在進入後現代主義與解構主義之後，造形就更加多元了。

【別把造形關在消費市場裡】
室內設計的造形，可能來自空間結構或樑柱等基地條件，也可能是因為業主喜好或時空背景所促成。當然，市場上也經常可以看到直接置入某種KTV 主題式的空間造形，例如充滿異國情調的阿拉伯式、西班牙式或歐洲宮廷式等等──造形成了營造風格的道具。道具沒有什麼不好。但一方面我覺得這不是真正意義上的造形，另一方面這使造形與空間的關係變得薄弱，造形的意義變成只為了服務視覺上的刺激或滿足不切實際的文化想像，那麼無論是如何金碧輝煌的裝飾元素，或者是花俏酷炫的高科技手法，這樣的造形設計也只能被侷限在短暫消費的層級。

或許正是因為市場上此種「商品化」的趨勢使然，導致造形在學術殿堂裡幾乎很少被嚴肅地討論。我讀大學時，只有在大一的基礎課程裡接觸過有關造形的課題，而且內容也不是以造形設計為主，老師僅覆以美學議題輕輕帶過。我想，造形之所以在學院裡如此「政治不正確」的原因，除了老師們不希望學生太早迷失於市場消費式的造形設計之外，也與現代主義講究「形隨機能」的觀念有關，再加上東方人的藝術思維裡，「實用」與「意境」永遠勝過於花拳繡腿的「形式」──這種種原因，讓臺灣建築與空間設計學系裡的造形議題靜悄悄地被鎖在深宮大院裡，不見天日。

但我認為，越是避之唯恐不及，學生越是無法健全地認識造形的積極意義，反而容易在進入業界後跟著市場趨勢隨波逐流，造成更嚴重的惡性循環。如前所述，造形是一種與世界建立關係的方法，將造形設計拒絕於門外，等於切斷與世界建立美好關係的契機。因此，我透過「灌鑄」等教學形式，讓學生重視造形的過程甚於結果，先還原「建立關係」的本質，再思考「追求美感」的境界──這或許有助於將造形從市場消費型態裡解救出來吧！

節錄自:
《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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