CJ Studio Shi-Chieh Lu 陸希傑設計事業有限公司

14/09/2026

02/09/2026

PROJECT 33
Jewelry Museum
Rouge Select Boutique 胭脂複合式精品店

Rouge Select Boutique 為一家匯集二十多種國外知名設計品牌的複合式精品店。店名「Rouge」為中文「胭脂」（即「口紅」）之意，這項隨身小物對女性妝容而言，乃不可或缺的靈魂元素，甚至能發揮畫龍點睛的效果。而這便是Rouge 希望傳達的經營理念與品牌精神。

執行這件設計案時，我主要考慮的面向有二： 首先是Rouge 所經營的精品不但品牌眾多，而且項目相當豐富多樣，包括珠寶、衣飾、鞋包配件等等，該用何種空間形式來容納所有品牌項目，達到豐富、多元而不混亂的效果；其次是基地座落於中山北路，周邊相似性質的精品店頗多，如何以空間設計讓品牌在該地區取得獨特定位，是業主與我都十分關心的問題。

【像精品店的博物館】
最初，我的思考方向是朝著「像精品店的精品店」來進行設計，但在此思維下所作出的嘗試，均未能讓業主百分之百滿意。後來，當我重新思考各種精品項目的品牌定位與類型時，由「分類」的概念衍生出「博物館」的想法，於是我大膽作出以下設定：就空間用途而言，這是一間「像博物館的精品店」；但是在設計的概念上則翻轉過來，欲造就一座「像精品店的博物館」──在博物館的概念之下，空間中的物品不再只是價值有限且短暫的消費商品，而是priceless & timeless ──永恆經典的無價之寶。呼應博物館的概念，我們在空間中置入數件藝術品與古董，結合展示玻璃櫃體設計，整體提升了空間陳列物品的價值感，也讓Rouge 在周圍眾多精品店中取得獨特的個性表現。

【超越古典與現代的永恆之美】
從博物館的概念再延伸，我以珠寶精品值得恆久珍藏的特質為靈感，呼應Rouge 所強調「鎔鑄古典與創新」的品牌精神，進一步激盪出「封藏時間」的想法。我將這樣的想法具象化為貫穿室內兩層樓的水晶柱狀透明玻璃櫥窗，象徵著品牌設計的經典價值能夠跨越古典與現代，使這座大型玻璃裝置同時具有時間意象與空間形式的雙重意涵，點出品牌的經營理念，並且也成為引人注目的美感焦點。

【建築材料與設計元素的衍異趣味】
「像精品店的博物館」其實是一種有趣的「錯覺」：觀者身在精品店中，卻覺得自己像是在逛博物館，但是這間博物館卻又像極了精品店──這種模稜兩可的感覺鬆綁了觀者對於空間的既定印象，反而能夠引逗遊逛探索的欲望。

我在建築材料與設計元素的安排上，也嘗試營造出這種具有衍異性的趣味。例如二樓空間刻意將古典的線板元素放大為空間造型，藉此轉化出現代幾何的趣味感。又例如整棟建築外觀立面及一樓主要展示立面均以白色萬能角鋼為材料，將此工業素材的堅硬、粗獷的特性重新詮釋為一種輕盈可透且細膩的元素，乍看之下彷彿像是晶透昂貴的碎鑽或水晶，細看方知為日常廉價工業材料的萬能角鋼，讓觀者產生驚喜與新奇的趣味感；同時，我也刻意採取如鋸齒般錯落排列的呈現方式，一方面希望營造出一種數位電路板的現代科技感，同時也可以視為古典線板的局部輪廓放大，希望讓觀者在遊逛之間擁有更豐富的美感體驗。

節錄自:《空間設計要思考的是: 》
作者: 陸希傑
出版社: 麥浩斯
#陸希傑 #空間設計要思考的是

31/08/2026

PROJECT 20
圍籬
竇騰璜張李玉菁臺北京站店

2009年4月著手設計的竇騰璜張李玉菁臺北京站店，是我們合作的第八件案子。隨著業主事業版圖的擴張，品牌展售空間的設計方針也逐漸隨之調整，在京站店之前的台中店Metal House與高雄店Bias裡，我們已經開始嘗試找尋空間系統化設計的可能性，希望能夠創造出兼具創意與可複製量化特色的空間元素。而在開始進行京站店的規劃設計時，業主竇騰璜先生這次更明確地提出「希望展售空間具有品牌特性與辨識度」的期許──尤其因為這次設點於京站時尚廣場，該商場所聚集的商業品牌與消費族群均相當多元；在這樣的基地環境下，該如何在眾聲喧嘩中獨樹一幟，成為這次設計的重點。

【從路邊攤的違章建築發想靈感】
因為這次的設計目標是要確立品牌的空間形象，攸關長久經營考量，所以我們也格外謹慎，反覆嘗試許多想法並提出各種設計方案。業主也都認為效果不錯，但總覺得以明確的品牌辨識度而言，似乎還是差臨門一腳。後來，竇先生提起他赴韓國舉辦展覽時在路邊看到以沖孔鐵製浪板搭成的違章建築，我聽了也覺得很有意思，再加上大安店Mesh與臺中旗艦店Metal House也運用過相似的浪板元素，某程度上可說是具有延續性。於是我們便以沖孔浪板這項建材為主軸進行設計發想。

【繞出一座店中店】
以路邊常見的工地圍籬為靈感，我們以特製規格的沖孔加工鐵製浪板將展售空間「圍起來」，等於是在偌大開放的商場建築中圍繞出一座「店中店」。相對於商場中多數採取全開放式設計的店面，圍籬所帶來的輕微隔閡反而讓空間感更明確；入口處則安排展示品，一方面作為入口動線引導之用，另一方面也具有挑逗誘引的作用，讓觀者在無法一眼觀覽全局的情況下，反而產生走進圍籬一探究竟的欲望。

空間內部亦均以沖孔浪板打造而成，從牆面延伸至天花板，透過封閉的形式操作並以圓弧狀的折角串連，同時呼應了多角形量體的試衣空間，而試衣間的玻璃鏡面牆也折射周圍的金屬材料，每個不同的折面角度又映射出相異的空間畫面，營造奇異的空間感；而浪板本身的波浪紋理與孔洞，也讓映照其上的燈光產生豐富的層次變化，為空間帶來簡約而柔和的氛圍。就購物體驗而言，相較於全然開放的玻璃櫥窗，顧客在圍籬的環繞下反而獲得一種隱蔽的安全感，更能放鬆自在地選購商品。

此次設計雖然在概念創發階段花了不少時間，但是材質與空間結構本身卻不難處理，而沖孔鐵板也具有易於施工與便於複製等系統化特質。因此，在京站店之後，竇騰璜張李玉菁品牌所陸續設立的幾處據點均以此銀鐵沖孔圍籬為空間主角，也確實形塑起品牌的空間形象。我想，我們算是達成了階段性的任務。

節錄自:《空間設計要思考的是: 》
作者: 陸希傑
出版社: 麥浩斯

#陸希傑 #空間設計要思考的是

28/08/2026

PROJECT 28
穿的幾何
ARCHI-FASHION 空間流感 / 建築與時尚特展

2011 年我受邀參與由順天建設主辦的展覽「ARCHIFASHION空間流感」。此展覽主軸為建築與時尚的跨界對話，參展者均為建築師、室內設計師以及服裝與金工設計等流行產業的創作人，透過一系列的講座、創作計畫與展覽活動，交換彼此專業領域的設計語言，也讓參展者有機會嘗試以不同於自身專業的設計視角，一同重新思考「空間」的本質意義。

在這次的展覽中， 我主要參與的是一項名為「Fashion Cube Project」的創作計畫。這項計畫將參展的建築師與時尚產業設計師分組配對，雙方各自從以往的創作中提出3到5件作品，藉以交流討論彼此的設計理念與操作方式，接著重新詮釋並轉譯出新的創作。

【建築與服裝的跨域對話】
當時與我合作的是服裝設計師吳若羚小姐，藉由分享彼此的創作經驗與建築史、服裝史的腦力激盪，吳小姐提到一件衣服的完成須經由平面打版到立體剪裁，與空間設計從平面到立體的成形過程，有著本質上的相似性；而我也發現構成衣服版型的線條，能夠解構重組產生由平面到立體的結構關係，並且具有構成空間的可能性。於是，我們將創作主題訂為「穿的幾何」，各自從中尋找一種新的空間可能性。

【把衣服變成一座建築】
我從吳若羚小姐所提供的服裝版型中選出兩件共12片版型，刻意保留打版的線條，利用彎、折、扭的手法，讓12片版型產生互為結構的力量，使解構之後的衣服重新經歷由平面到立體的過程，經過不斷的細部觀察與各種排列組合，尋找潛藏於內部的結構規則，撐出一種新的動態幾何關係，就其結構意義而言，可以說是一座具有生命感的有機建築。

一個杯子可以是一座微建築，一件衣服其實也是穿在人身上的微建築；而當我們由衣服的平面版型重新理解並組成新的立體幾何關係時，則構成不帶機能考量的純粹形式意義上的建築結構。因此這項設計作品也可以說是將一件微建築解構重組為另一件微建築。這次參展讓我認識了「衣服」這項日常物件所具有的空間性，對我而言也是一次寶貴的學習經驗。

節錄自:《空間設計要思考的是: 》
作者: 陸希傑
出版社: 麥浩斯

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26/08/2026

PROJECT 25
Pure Atmosphere
Aēsop系列(2006-2009)

我剛開始與Aēsop合作時，曾赴澳洲總公司拜訪，那時創辦Dennis Paphitis除了帶我們參觀幾間自家店面，就是去小酒館、美術館之類的場所，而不是去看同性質的商業空間── Dennis覺得那不足以參考，他要帶我們去感受的是Aēsop品牌所認同的「氣質」，這件事讓我印象深刻。氣質當然與氛圍有關，Aēsop所認同的氣質是「優雅」、「人文」以及「精確」等等，給予消費者值得信賴的安心感，同時又帶有一點實驗性質的居家感。

【以空間氛圍啟動感官淨化】
而我為Aēsop設計的第一個空間位在微風廣場，當時的構想是希望結合「圖書館（Library）」與「實驗室（Laboratory）」的知識性，並讓觀者在空間中感受到流動的狀態，隱喻資訊的流動性。於是我採用垂直與穿透式吊櫃表現書櫃的感覺，並在鍍鋅鐵板牆面上鑿出一個個圓孔，再由孔洞後方打入光線。光本身是靜止的，卻彷彿凝結成滴滴墜落的雨水或冉冉浮升的氣泡。而孔洞的垂直排列是隨意卻自成秩序的，看上去也有點像摩斯密碼或點字，引誘觀者主動注視與揣摩。我希望讓那揣摩的過程像一扇門，啟動觀者的各種感覺連結與想像，在空間中展開一場洗滌淨化的儀式，以視覺上的效果引發聽覺、觸覺等感官效果，像是彈奏一支明快輕盈的節奏，在觀者的耳畔與指尖叮咚彈躍，使身心彷彿沐浴在光的溫暖與水的清涼中──我期待此空間能夠帶給人們一種愉悅滋潤且難以忘懷的氛圍。

【「順應自然」的品牌精神與空間經營】
多數品牌為在消費者心目中留下具體印象，通常會在空間形象上強調某種「品牌精神」。而Aēsop的品牌精神，我想大概可以用「順其自然」來概括：歸順事物最天然純粹的狀態──這一主題性看似簡單，實而隱晦；彷彿明確，卻難言表。而要讓空間表現出「順其自然」的概念，也不是件容易的事。早期剛開始承接室內設計案時，我本覺得只有建築需要考慮基地條件而室內設計無需特別講究於此，但與Aēsop合作的過程中，我開始思考室內設計該是以何種方式去「順應」環境。尤其，Aēsop產品本身的包裝具有很高的辨識度，在此情況下，空間就像是襯托產品演出的一座舞台，隨著不同的情境轉化，順由各個基地形態而衍生變奏，反而才是Aēsop空間設計一貫的「主題」。同時我們也希望讓消費者對品牌的空間形象產生期待──讓消費者每造訪一間不同的分店或有新店面開幕時，心中都會自然而然期待空間將會以如何的創意來表現純粹乾淨的氛圍感。因此，每一間Aēsop分店的設計，對我而言都是一次創意的腦力激盪，希望透過各種空間氛圍的經營，讓Aēsop 的純淨氣質能以最美好的形式停駐在觀者心中。

節錄自:
《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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24/08/2026

Hair Culture
PROJECT 14
in salon + HC + Hip

從2004年至2014年，十年之間我與Hair culture髮型沙龍曾經三度合作。說起來也很有意思，髮型沙龍為客人打造頭髮的造型（style），而我的任務則是視「髮型」為一理型觀念（idea），並在空間中造出「髮之型」（form）。同樣都是「造型」設計，意義截然不同卻又有相通之處── 或許可借用髮型沙龍總店的名稱作一概括：「Hair Culture」，髮的文化。這樣的跨界合作，對我而言是蠻好玩的。

【意外的過程】
而在這三次合作中，所誕生的設計也都是我自己覺得蠻有趣的概念，但在合作過程中冒出一些意外的插曲，對最終成果也造成影響。2004年開始的第一件合作案「in salon」，在設計完成且即將動工的前夕，竟因租約問題而不得已臨時喊停，而該案亦就此停留在設計階段，未能付諸實行；但因為我自己蠻喜歡這件設計概念，所以仍持續發展該設計概念，後來幸得於另一商業空間設計案「安心居」予以實踐。

時隔兩年， 業主於台北市大安路覓得新址， 預計在此開設總店「Hair Culture」，並再度委託我們設計空間。我以「黑鑽石」的造型來模擬「髮型」的概念，隱喻每一位顧客的頭髮都像是等待磨礪的鑽石素材，將能在此雕琢出璀璨耀眼的美麗光輝。因此，我利用黑色烤漆材質，在空間中打造出多角形幾何量體作為髮廊的接待櫃臺，同時也是空間中最為核心的視覺焦點。不過，這次的設計亦因建築法規的考量而有所讓步：在建築外觀的部分，原本用以包覆外牆的沖孔鐵板是設定為直徑較小的圓形，後來因擔心孔徑過小會產生外牆透空率檢討的顧慮，只好將孔洞直徑改大，雖然在最終成果的呈現上與最初的設計有些落差，但對我而言也算是上了寶貴的一課。

【設計工具的改變】
第三次的合作，則是為業主於敦化南路一段所開設的分店「Hip」設計外牆與室內空間。相較於總店Hair Culture以精緻細膩為主要訴求，分店Hip則更強調年輕流行的活力特色。因此這次我選擇以「染髮」作為造型概念，運用彩色企口鋁板打造出有如染髮層次的造型設計。此外，空間內部的材質選擇也與總店有極大的不同：除了使用線條感強烈的集成木材來呼應染髮的意象之外，空間中也選用鐵網材質並保留天花板的水泥質感，藉以形塑較為粗獷率性的工業感氛圍。

另外值得一提的是，由於合作的間隔期間長，三次合作案當中所使用輔助設計思考的工具，也隨著科技發展而有所轉變。猶記得2004 年初次為in salon設計時，仍完全採取手繪草圖的方式進行；但到了2013年第三度合作設計HIP分店空間時，建築物的外觀設計便是完全以3D電腦繪圖軟體來發展概念，對於思考的方式以及所呈現的成果，確實也有蠻大的影響。不過，我並不特別執著於某類固定的設計工具，相反的，我認為各種不同的輔助道具反而能夠創造不同的變因控制機制，對於刺激思考是很有幫助的。

節錄自:
《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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22/08/2026

PROJECT 01
摺紙的遊戲
YCAMI家具館

這是一間位於仁愛路上的傢具店，起初是我東海的學弟耿治國接下這個案子，邀請我共同執行製作。由於是義大利進口傢具品牌的展售空間，再加上業主給我們頗大的自由度，所以一開始我們就打算使用較為張揚的表現性手法，很過癮地把整個案子當作一場「摺紙遊戲」。不同於以往較為隱晦低調的作法，這是我第一次以較直接外顯的態度放手去玩摺紙的概念。

【把３Ｄ變成２Ｄ】
在這一場摺紙遊戲中，透過摺疊與展開的概念，我們企圖把空間點、線、面的3D立體性質，轉化為平面紙張的2D概念。在材質上，我們特別選擇用鐵板，隨著基地的型態彎曲、折繞、下陷、揚起、層疊、掀動、延展，彷彿在空間裡置入一座大型紙雕，讓線條與轉角奇異地消失在連續延伸翻掀的紙張概念中，使空間在本質結構上趨於極簡，建立一種新的空間形態。

【空間邊緣與界限的重新定義】
整個空間大致上分為左右兩邊，左側的長方形空間是主要傢俱展示區，右側的正方形空間則很有趣，該處原本是一塊荒廢的花園，而且基地上方正好提供了可以開天窗的條件，使得基地自身的「室內／室外」界線頗為曖昧含混──在那曖昧之中所產生的容許度，正提供我們一個機會去定義一種模糊混融的空間邊緣形式與內外關係。於是我從Eames Lounge Chair 的造型發展靈感，建立起一座既是室外花圃又是室內桌檯的大型量體，這座量體乍看之下以為是3D 立體造型的雕塑與挖洞，細看就會發現其實仍是薄型紙張裁剪與折繞的2D 平面弧概念──這件案子裡沒有任何一處是3D 的。而這座2D 概念的大型量體，其實也已經隱含了「傢具空間化」的意念，店員們甚至可以圍繞於此用餐或開會。從這個角度來說，「摺疊」與「展開」的概念在本案中除了是物理性的展現，同時也可以說是機能性的實踐。

空間本身是被摺疊在這城市樂章裡的音符之一，在街道的五線譜上與其他無數的空間共同演繹城市的風景。而走進音符內部，透明櫥窗外的車水馬龍竟又展開另一支豐富的樂曲，城市的尺度被櫥窗框成一部永不重複的影片。在這一場摺紙遊戲中，城市與空間之間的因果辯證關係尤其令我著迷：先展開才能摺疊，摺疊是為了被展開，而展開，則讓人發現更多摺疊的可能⋯⋯

節錄自:
《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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20/08/2026

PROJECT 08
符號地景Signscape
第11屆威尼斯建築雙年展

2008年我參加威尼斯建築雙年展，當屆臺灣館的團隊成員除了郭肇立與劉克峰兩位策展人，另有包括我在內的六位建築師何以立、邱文傑、姚仁喜、楊家凱及蘇喻哲。針對該屆大會主題―「走出那裡：建物之外的建築學」（Out There: Architecture Beyond Building），策展人提出「夜城」（Dark City）的概念，指出臺灣因氣候條件之故，並不像西方主流國家的城市那樣熱衷於擁抱陽光―我們建造騎樓以遮蔽烈陽，而我們的城市亦在涼爽的夜晚愈顯迷人，各式熱鬧的夜市、地攤、夜店，喧囂成一座生猛鮮活的夜城。然而臺灣現行的都市設計與建築創作仍僅以白晝為主角，夜城只能暗自潛流於檯面之下。藉由該屆威尼斯雙年展的展出機會，創作團隊希望讓臺灣的「夜間都市」能夠得到正視。而「符號地景」（Signscape），即是我在「夜城」這一主題下所提出的子題創作。

【霓虹閃爍的符號都市】
「符號地景」所要表達的，主要是我對亞洲城市結構的觀察。大部份的亞洲城市街道空間總是充滿各式招牌與人造加工物等符號，而生活在城市裡的我們，以各種方式感知城市－－有時，漫無目標的自在散步，能容許我們越過符號表層而觀察真實的空間；但大多時候，我們無暇顧及旅程上的細微體驗，只能在奔馳於黑暗地道的列車上，透過地鐵的站名等抽象符號，指涉、辨認自己在這城市中的位置。

進入夜晚，我們更幾乎無法感知建築物的立面，只能從招牌界定出街道的空間－－當我們行進在充滿符號招牌覆蓋的街道上，實已不知不覺進入另一種都市系統：我們依靠閃動的霓虹來理解城市建築的外貌，腦海中的「城市的地圖」實質上是一幅「招牌的地圖」。此際，夜晚城市招牌的拓樸關係與脈絡跨越了實體的聯繫成為一種新地景，城市的符號性更重於空間感，Landscape被Signscape所取代。

【城市結構的音樂性】
而「符號地景」的表現形式，則源自於我在AA 讀書時便持續發展的構思：眼前有數塊石板碎片，它們原本屬於同一塊刻有文字的石碑，摔碎離散後各經風化歷練，即使邊角已磨損而不足以構成拼貼的依據，但仍可藉由石板上依稀可辨的自然紋理線條與人為文字刻痕兩種線索，試圖再現石碑的原貌。至於拼貼不全的部分，人們依照想像力，在空隙間找尋聯繫的端點，賦予一個完整結構。

我以「石碑／石塊」的概念來思考「城市／建築」及「地景／符號」之間的關係，將地圖與文字疊合形成卵石來代表城市發展的時間，暗示文字與地圖紋理的相關性。具體進行方式是針對「夜市」這類夜間城市中招牌聚集的場所進行採樣，將之轉化為數個由漢文字符號組成的鵝卵石狀模型，暗示其高度流動性與時間累積；接著將漢文字卵石模型安置在一張大型的路徑地圖上，讓石頭上的紋理結合街道地圖與招牌文字，回應現今亞洲夜間城市的獨特紋理，使觀者玩味卵石與卵石之間、卵石與地圖之間的關係性。而招牌文字之能與街道地圖產生關係，其實根柢於漢文字「畫成其物，隨體詰詘」的形意特質，這是拼音文字系統無法達到的──或可說，現代城市地景在某程度上仍延續了古人「大塊假我以文章」的直觀智慧。而此件漢文字石的裝置作品除了表現文字與生活的關係，也具有街道傢具的作用。

被賦予的石碑結構與實存的石塊之間的關係是曖昧的：人們究竟是先想像了石碑原本的樣貌而安排石塊所屬的位置，或者是因石塊所提供的線索而決定了石碑如何被想像呢？想像的石碑與實存的石塊之間的關係，有如演奏的樂曲與寫定的樂譜，音符之間的空隙使得每次演出都是獨一無二的展開過程，而城市與建築的關係亦如是。

節錄自:
《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

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15/08/2026

PROJECT 35
Urban Gallery
CJ STUDIO

設計，是一個看世界的入口。

如果將這樣的「入口」具象化，那應該會是什麼樣子呢？

我很喜歡美國畫家愛德華．霍普（Edward Hopper）於1942 年所繪的〈夜鷹〉（Nighthawks），畫面上是一個街角小酒吧的三角櫥窗，裡面有兩三個成年人各自無語默坐，讓黑夜中亮晃晃的櫥窗顯得特別空曠荒涼，彷彿是一塊被遺忘的角落，時間與空間在這裡凝結靜止，玻璃櫥窗把世界隔離在外，只能遠遠眺望而無法碰觸。

由三角玻璃櫥窗所隔離開來的、那無比荒涼的城市界線，一直停留在我心中。若要將「看世界的入口」化作具體的畫面，我想再也沒有比那三角櫥窗更適合的了。

我選擇將工作室設置在臺北市東區的老公寓六樓，一方面當然是貪於方便的生活機能，但我更希望它能與這城市之間維持〈夜鷹〉那樣既親近又陌生的距離感，打造一個看世界的入口。同時我也期待工作室能有著類似樂譜的結構，像一種曲調，搭配周遭環境後能變成一齣奏鳴曲──它具有發展的可能，而非靜態。

【在荒涼之丘遠眺都市山水】
工作室的玄關入口，即以〈夜鷹〉為靈感，特意讓室內連結陽臺的牆面，向內部退縮讓出一塊轉角，形成一座三角櫥窗，而工作室正式的入口則安排於玻璃櫥窗的同一平面上──入口的位置象徵著室內外的分界，我刻意作此安排，意在使這塊原屬於室內的區域被隔離為室外，形成空中都市景觀的一隅，而櫥窗外部的陽臺便富有「室內／室外」的辯證性，成為空中走廊（Urban Gallery）。

坐在工作室內向外眺望，藉由櫥窗的圍框，人與城市的距離便又折出一層隔閡。對面的大樓兀自錯落矗立，彷彿形成一幅中國傳統水墨畫的潑墨風景──再仔細一點看，這幅水墨畫上鑲滿這城市特有的違建、鐵窗、外推陽臺⋯⋯。有人說那是「水泥叢林」，我則更願意說它是「都市山水」（Urban Landscape）。

而櫥窗之內的水泥基座則如一座荒寂丘陵，我喜歡在這裡自在地觀看都市山水；簡單擺上一桌數椅，此處又可以是會議室、教室、展示區、演講台，清空也可充作小型的展演舞台──在機能上我希望它是豐富多姿的。而呼應著空間的寂寥氛圍，我特別選了醫院候診區常見的彩色玻璃纖維椅，那隨處可見的、量產的、單薄而廉價的質感，在櫥窗之內反而取得某種異化的姿態，為空間帶來一種貧瘠廢墟般的異境感。每從喧囂的繁城盆地回歸這荒涼丘陵，思緒就冷靜清明了。

【修補術】
CJ Studio 的設計是在國聯飯店完工之後開始的。在設計的意念上同樣是以極簡為主，但由於工作室的業主就是我自己，雖少了外部業主的條件限制，卻難免多了自我要求完美的包袱。所以在設計工作室時，我採取比較隨性自在的步調，不拘泥於固定的裝修計畫，並且多一點實驗性質，以更充裕的力氣與自由完整回應來自於空間自身與設計過程中所發生的所有情形。

在很大的程度上，這間工作室的設計可以說是李維史陀所謂「修補術」概念的具體落實（有關「修補術」的討論，請參考本書issue.15）。例如工作室內有幾面呈現奇異斑駁狀態的牆面，分別是在原磁磚拆除、水泥粉光上漆、撕除原壁紙並以鹽酸清洗的過程中所保留下來的狀態。原先這些牆面打算重新塗裝，但我在施工現場意外發現這施工過程所呈現的狀態其實很美，於是改變計畫，讓它們停留在該施作階段，取代傳統裝潢貼面材而成為新的壁紙──而且從成本上考量，這些施作階段既是必要的開銷，而視覺效果又這麼好，那何必再花錢蓋掉它們呢？另外像是工作室的灰色水泥地板上泛現的黃色塊紋，也並非刻意為之，而是施工時所抹的保護塗料歷經時間變化所產生的意外效果。這些其實都是在計畫之外的意外安排，但卻是根據現場實況的隨機應變與就地取材，如此的設計過程讓人感到一種踏實的快樂。

【神能飛形】
從學生時代開始，我就常常思考「形式」在設計中的意義。有次朋友在路上撿到一本老子《西昇經》，我偶然從中讀到「神能飛形」這句話，當時就覺得這幾個字很有意思，自顧自地把「飛形」的「形」解釋為「形式」。執業之初，也曾以「飛形」二字當作合夥工作室的名稱；後來獨立創建CJ Studio 後，就乾脆借來當作表達設計觀的語言模型。而我早期的幾件作品如國聯飯店、信義路康宅等，都可以說集中體現了我對「神能飛形」的思考，CJ Studio 也是其中之一。例如，室內天花板是採取局部斜面連結原有天花後加以上漆，讓原本的空間高度得以保留，而原有樑柱系統也能成為場所的一部分。整個天花板的設計並未經過全部封藏，但卻呈現與初始狀態截然不同的感覺，彷彿像是一面全新的天花板。像這樣，設計者（spirit）以精神能量（energy power）駕馭（control）形式（space form）的過程，承認有限且人為的造作，介入並改變空間狀態，連接過去與未來──這是「神能飛形」之於我的意義，也是CJ Studio 持續努力的方向：「找出隱藏在真實世界下，新的幾何秩序及關係。」

曾有報導如此形容CJ Studio 的設計：「像是誠心意欲與舊時戀人重啟新戀情般的面對已然老舊的建物。」把這段設計的過程比擬作一段與戀人周旋磨合、甜美卻又充滿不確定的戀情發展，我想也是頗貼切的。

節錄自:
《空間設計要思考的是: 》
作者：陸希傑
出版社：麥浩斯

#陸希傑 #空間設計要思考的是